acrilica, wildlife - garça

Great Blue Heron

Garça-real azul por Greg Biochini

Por anos eu fiquei longe de acrílicos, pensando que certamente não eram um meio para um pintor realista de representação, como eu. Eles seca muito rápido, o que torna impossível para a manipulação de pintura sério. Estou muito feliz por minha curiosidade finalmente conseguiu o melhor de mim e eu comecei a experimentar com essa maravilhosa, que economiza tempo, meio sem complicações. "

Para começar, eu gosto de preparar minha própria tela. Eu começo com uma canvs de textura média que me esticar em pesados ​​barras de maca profissional. Eu dou a tela de três ou quatro boas camadas de gesso acrílico, lixar entre demãos.

Trabalhar a partir de minhas próprias fotografias, eu comecei a minha grande pintura Blue Heron pelo desenho de um centro de interesse com carvão vinha salgueiro macio. Usando um grande pedaço de carvão macio, eu desenhei os lírios e grama, rapidamente bloqueio nas claros e escuros. O carvão macio foi bem adequado para este processo espontâneo, tudo que eu tinha que fazer para que mudanças foi limpar o carvão com uma toalha de papel.

Figura 1: Centro de juros é esboçado no para colocação no plano de imagem.

Figura 2: desenho a carvão preliminar áspero.

Nesta fase, estou compondo o desenho preliminar diretamente de minhas referências fotográficas para a tela. Agora, utilizando escovas de cerdas de porco, tirei algumas das carvão para produzir as gramas no fundo. Para a remoção de áreas muito escuras de carvão, eu usei borrachas como uma borracha amassou e esfregar magia. Eu não uso os dedos para remover ou espalhar o carvão. Dedos deixar oleosidade da sua pele na tela, o que torna difícil para manipular ainda mais a carvão. Uma vez eu estava satisfeito com o meu desenho a carvão, eu pulverizadas com fixador de acrílico transparente. A Figura 1 mostra a minha pintura, neste momento de conclusão.

Em seguida, comecei a bloquear em lavagens de acrílico quentes e frias sobre o meu desenho a carvão. Eu diluído os acrílicos com água, tornando-os transparentes e permitindo que o desenho a carvão para mostrar completamente. Eu usei cobalto e azul phthalo para as lavagens, azuis legal, e Hansa meio amarelo e profundo para as lavagens quentes. Os amarelos misturados com um pouco de vermelho permanente tornou-se laranja.

Figura 3: lavagem de acrílico transparente sobre desenho a carvão.

Eu apliquei os esmaltes acrílicos rapidamente com um pincel grande plano feito especialmente para acrílicos. Eu fiz a minha mistura de cores e desbaste em uma paleta de estadia-molhado. A Paleta Fique molhado era indispensável, porque, como o nome indica, ele mantém meu acrílico mistura úmida e viável para um tempo muito longo. Para esta etapa de lavagem transparente, eu era capaz de determinar onde as obscuridades e luzes frias e quentes, deve estar em minha pintura, com base em minha fotografia de referência e um pouco de imaginação. A Figura 2 mostra a pintura nesta fase.

Esta lavagem de acrílico sobre um desenho a carvão bruto é um processo fácil comparado a fazer vários desenhos preliminares separadas. Nesta fase inicial da minha pintura, eu já tinha conseguido uma boa idéia do que a minha pintura acabada seria semelhante.

Neste ponto, eu engrossado minha tinta, utilizando menos água do que na fase anterior, e permitiu-se tornar mais opaca. Eu adicionei apenas três cores adicionais para a minha paleta: branco de titânio, quinacridona magenta e violeta. Eu usei o magenta principalmente nas almofadas de lírio. Comecei a usar escovas mais suave menores, do tipo chamado apartamentos-números 6, 4 e 2 sobre as áreas mais detalhadas ao longo da minha pintura, veja a Figura 4.

Figura 4: Perto de preenchimento com tinta acrílica opaca.

Figura 5: Mais detalhes são adicionados ao pássaro e luzes e sombras são mais desenvolvidos. Luz é dado, uma sensação natural mais luminosa.

Uma nota sobre pincéis: Eu sempre melhor usar uma escova que é um pouco maior do que seria necessário para fazer o trabalho. Eu encontrei os pincéis um pouco maiores fazer um trabalho melhor e são um pouco mais rápido. Eu uso os pincéis muito pequenos apenas depois de tentar e falhar com um pincel um pouco maior. Eu usei a ponta cônica de apartamentos sintéticas sensíveis de alta qualidade para as menores áreas, mais detalhados nesta pintura. Quero salientar que eu usei os apartamentos sintéticos mais suaves apenas para os mais pequenos detalhes, e só após a primeira bloquear tudo com os maiores escovas de nylon um pouco mais duras.

Figura 6: cor de Isqueiro plantas e flores são adicionados para melhorar a composição global do olho e mover os telespectadores através da pintura.

Estando para trás e olhando para a pintura, eu decidi o fundo estava um pouco ocupado demais e precisava de alguns elementos adicionais para conduzir o olhar do observador de lugar para lugar. Eu decidi adicionar flores do lírio branco. As flores do lírio estavam em algumas das minhas fotografias de referência, mas eu não tinha certeza de que eu precisava deles até agora. Trabalhando na mesma forma que eu tinha feito para o resto da pintura, eu bloqueei nas grandes pinceladas ousadas, usando um pincel um pouco mais duro, maior e mais ágil. Eu, então, pintou por cima esses grandes golpes com meus pincéis um pouco mais suave menores, para o detalhe. Repare que eu também trabalhou ao longo de toda a pintura, acrescentando toques de acentos brancos quase puro para áreas como o pássaro e as flores, e marte quase preto puro, especialmente para o pássaro. Salvei a maioria dos meus mais sombrios e darks minhas luzes mais claras para perto do fim da pintura. Quase como o tempero final sobre alimentos, esses acentos contrastantes fortes dirigida a atenção do espectador para áreas de interesse ao longo da minha pintura.

Com esses acentos finais, eu trouxe esta pintura até a conclusão, veja a Figura 4. O último passo foi verniz imediatamente com várias camadas de gloss meio acrílico.

Figura 7: Terminado pintura acrílica Great Blue Heron, 38 "x 53".

Estou muito feliz em dizer que este método de desenho preliminar feito diretamente na minha tela era muito mais rápido e mais gratificante do que ter que primeiro fazer uma série de desenhos em bruto para desenvolver a minha composição. Descobri que usando lavagens de acrílico transparente sobre um desenho de carvão vegetal fixo me permitiu estabelecer meus valores quentes e frias de maneira rápida e no início de meu processo de pintura, permitindo que os estágios finais de minha pintura a progredir rapidamente e sem problemas.

Todas as marcas de acrílico e escovas são compatíveis uns com os outros.

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West Wind - pintura a óleo de Demonstração

Para esta pintura estúdio eu usei óleo injetado duplo Claessens tela de linho, nº 15 (minha superfície habitual pintura). Esta pintura, como acontece com a maioria das minhas pinturas maiores, foi concluída usando uma fotografia como minha referência. (Minha esposa, Sarah, é a senhora encantadora na foto. De alguma forma, eu duvido que ela teria sido muito animado para posar no meio de um campo tempo suficiente para eu fazer a pintura da vida.)

Passo 1:

Ao fazer uma pintura deste tamanho (ou maior), estou mais confortável começando com um desenho bastante detalhado da minha composição. Neste caso, eu uso o carvão vinha diretamente na tela. Faço questão de levar tanto tempo quanto necessário nesta etapa, uma vez que vai me fornecer a direção Vou seguir para o resto da pintura. Como eu desenho, eu tomo medidas cuidadosas usando minha foto de referência para garantir que tudo acaba o tamanho certo e no lugar certo. (Em uma nota lateral, eu cuidadosamente medir quando a pintura tamanhos menores também. Eu simplesmente não necessariamente fazer um desenho a carvão pela primeira vez.) Eu sempre verifique meu desenho olhando para ele em um espelho. De alguma forma, ver a imagem em sentido inverso torna mais fácil para ver meus erros.

Passo 2:

Agora que estou pronto para pintar, eu tomar alguns momentos para pensar em como vou proceder. Ao fazer pinturas menores, muitas vezes vai trabalhar em toda a pintura de uma só vez. Mas, porque esta pintura é um pouco maior, eu decidir começar em uma área e trabalhar para fora. Desta forma, eu tenho a liberdade de parar, se eu precisar, e quando eu voltar, não importa se a pintura começou a secar, porque eu (espero) não terá que trabalhar em áreas que eu já pintadas. (Eu sempre prefiro trabalhar-wet-no molhado para que eu possa lidar facilmente com minhas bordas sem ter que pintar sobre a pintura seca.) Naturalmente, isso requer algum planejamento, como eu começar, mas é também uma forma divertida de trabalhar, porque eu posso ver a pintura começa a tomar forma rapidamente. Portanto, agora tudo o que tenho a fazer é decidir por onde começar! Descobri que a maneira mais fácil para eu estabelecerei a minha faixa de valor para uma pintura é começar em uma área com, valores escuros fortes e um bom contraste. Para esta pintura, alguns dos meus valores mais escuros estão no ponto focal (Sarah), por isso faz sentido para mim começar lá.

Passo 3:

Eu faço um monte de olhar de soslaio para a minha foto e na minha pintura para comparar as relações de valor entre as formas. Se eu conseguir as relações direito, eu vou ser capaz de continuar através da pintura, sem ter que voltar a alterar qualquer um dos valores.

Passo 4:

Enquanto eu continuar, eu também prestar atenção nas bordas entre as formas para que eles não serão todos acabam procurando o mesmo. A fim de levar a atenção do espectador para o ponto focal, eu certifique-se de manter as minhas arestas mais vivas lá, enquanto suaviza outras arestas vizinhas em comparação. Uma das chaves para o bom bordas é a variedade.

Passo 5:

Como eu trabalho no casaco branco de Sarah na foto, eu tenha em mente que as fotografias têm uma tendência para retratar de forma incorreta a informação de cor, especialmente em áreas extremamente claras e escuras. Como resultado, eu devo pensar sobre a luz do sol a partir do dia em que tirou a foto e lembre-se o efeito de sua temperatura de cor teve em toda a cena. (Este é o lugar onde todos que a pintura prática continuada de vida compensa muito, porque não tenho informação em minha mente a partir de experiências pintura nestas mesmas condições.) Desde que eu lembre-se que a temperatura de cor da luz direta do sol é quente, eu certifique-se de adicionar cores quentes para todas as áreas do casaco que estão na luz direta. Como resultado, as sombras são relativamente mais frio, quando comparadas com as áreas de luz.

Passo 6:

Sarah é agora quase acabado (juntamente com a parte mais crítica da pintura.) Quanto mais tempo eu ficar na pintura, mais comparações estão ocorrendo. Cada forma eu pinto tem que ser correto em desenho precisão, valor, cor e bordas, quando comparado com o que eu já pintada. É por isso que é tão importante para mim ser preciso quanto eu começar. Se eu chegar a este ponto e percebe que um dos componentes principais é incorreta, vou quer ter um monte de repintar a fazer, ou ele vai ser hora de decidir começar um pouco mais. (E sim, infelizmente isso aconteceu.)

Passo 7:

Felizmente, eu não vejo quaisquer erros gritantes neste momento, por isso estou livre para começar a trabalhar no fundo. O desafio de um fundo cheio de árvores é manter-se de adicionar muito detalhe e perturbador do ponto focal. No entanto, outro benefício de começar com o ponto focal é que agora eu posso comparar o resto da minha pintura com ele e certifique-se de que ainda predomina. Então eu tento discernir as principais formas nas árvores e só colocar o que é necessário para dar a impressão de muitas árvores e galhos.

Passo 8:

Como eu bloquear no mais das árvores do fundo e gramíneas primeiro plano, eu mantenho a pintura bastante fina. Isso me permite aplicar tinta mais espessa em cima quando eu entrar em mais detalhes, e eu também pode deixar alguns deste show lavagem inicial através da pintura acabada. Mais uma vez, isso me dá alguma variedade de textura que é agradável, da mesma forma como a variedade na minha edgework (que eu mencionei no passo 4).

Passo 9:

Agora que eu tenho o fundo tudo bloqueado em, chegou a hora de começar a trabalhar nas árvores em primeiro plano. Como eu mencionei, quando eu estava pronto para começar a pintar de volta na Etapa 2, eu levei alguns momentos para pensar sobre como proceder. Uma das coisas que eu tirei nota foi que os meus valores mais escuros na cena eram, na verdade, essas árvores em primeiro plano. Por isso, eu tive que segurar um pouco sobre o quão escuro eu fiz as sombras na saia de Sarah para que, quando chegou a hora de pintar as árvores do primeiro plano, eles seriam os elementos mais escuros. Isso ajuda a aumentar a ilusão de profundidade na pintura uma vez que "empurra" Sarah mais para o fundo, pois os valores mais escuros sobre ela que não são tão escuro como as árvores do primeiro plano que devem aparecer mais próximo do telespectador. Eu também tive que lembrar que minha câmera viu as sombras sobre a saia de Sarah eo valor das árvores em primeiro plano a ser aproximadamente o mesmo, o que me deu mais um motivo para ter cuidado com a escuridão eu fiz as sombras sobre a saia de Sarah.

Passo 10:

Eu começar a adicionar detalhes para as árvores e gramíneas, tomando cuidado para que eles não fiquem muito interessante em comparação com Sarah. Afinal, ela é a mais importante!

Passo 11:

Parece que todo o lado direito da pintura é praticamente terminado agora. Pintando os valores corretamente nas gramas no fundo é um pouco complicado. Tenho que apertar os olhos e fazer mais comparações entre as gramíneas e outros valores na pintura de modo que as sombras e luzes nas gramíneas será correta. Assim como a pintura das árvores e galhos, eu tento olhar para as grandes formas nas gramíneas então eu não levá-los muito detalhado.

Passo 12:

Quase acabado agora! Tudo o que resta é terminar as árvores à esquerda, tanto no primeiro plano eo fundo. Então, tudo o que tenho a fazer é tratá-los da mesma forma que eu tratei as outras árvores na pintura.

Passo 13:

Eu sempre olhar para a pintura no espelho uma última vez para ter certeza que nada está incorreta ou distração do meu ponto focal. Muitas vezes, uma vantagem que é muito afiada ou uma pincelada distração precisa ser amaciado. Uma vez que aqueles são corrigidas para minha satisfação, a pintura está acabado!

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Passo a Passo Anjo Demonstração, oil

Muito abaixo - Passo a Passo Anjo Demonstração

Esta pintura quente tem um brilho a ele eo acabamento final é muito parecido com o que eu estava tentando alcançar. Para este gênero de pinturas criativas, eu gasto mais tempo do que realmente projetar pintura, tentando por uma composição dramática e humor geral que diz algo emocional. Eventualmente, eu posso mover em direção a mais de um desenho rigoroso, mesmo uma abordagem gráfico esboçado, que eu adoro ver com a cor transparente. Mas, por agora, eu gosto de fazer imagens de tons realistas, onde o realismo ajuda a trazer todo o humor e transmitir uma sensação de possibilidades believeable.

Desenho projetado em tela

Esta peça foi tirado em tela, em seguida, fixa e, em seguida, montado na placa. Sua 48 "quadrado e um bom tamanho para mim trabalhar a figura diante. Eu sempre descobrir o tamanho de acordo com o quão grande eu quero o rosto da figura importante para ser pintado. Neste caso areound 5" de alta. Se eu pudesse, e tivesse tempo, eu faria quase todos pintura, pelo menos este grande se não o tamanho mural. A principal razão é que a minha aplicação de tinta funciona melhor para mim com grandes pinceladas mais grossas, ao invés de usar escovas menores que don; t possuem tinta suficiente ou têm o poder de atração para cobrir uma área efficently.

Normalmente eu tenho uma amostra ou cor aproximada apenas para o lado da minha pintura que eu possa rapidamente consultar. Eu faço um monte em cada pintura, mesmo quando eu tenho uma boa referência, mas que ajuda a ter uma amostra de olhar at- similar a tomar notas para escrever um livro. Nesta peça, a minha principal referência para o plano de fundo era a 20 anos de idade fotocópia a preto e branco de um livro de jardim, cerca de 1920. Eu gosto antigas tomadas de câmera pinhole, e enquanto eu muito raramente se referem a referência do lado de fora, eu às vezes se deparar com um emocionante imagem que eu reserve até eu encontrar alguma maneira de incorporá-lo.

Pintura começou, canto superior esquerdo ao inferior direito

Meu objetivo é colocar uma camada de óleo molhado diretamente sobre toda a pintura que eu possa voltar para trabalhar e as bordas. Isso me permite jogar facilmente planos relativos dentro e fora de foco, se a tinta permanece molhado e eu posso cobrir a área de imagem rapidamente. Antes de começar a pintar, eu adicionei algumas gotas de óleo de cravo para aquelas cores que secam muito mais rapidamente, e óleo de linhaça o suficiente para fazer uma grande pilha de pintura amanteigado e suave, bem misturado com uma faca de paleta.

Uma vez que toda a superfície é coberta eu deixar esta seca para 2 a 3 semanas! Isto permite tempo suficiente para a pintura a aceitar um sobretudo secagem mais rápida que eu uso para Finess as bordas e manter o brilho de uma superfície acabada. Se eu pintei sobre a camada de secagem mais lenta, com uma camada de secagem mais rápida cedo demais a camada superior pode secar mais rápido e, literalmente, puxar a camada inferior até eventual forma rachaduras e separações. Se você estudar técnicas de secagem e meios de óleo que você pode ver como os artistas anteriores funcionou, sua abordagem e intenção, tanto quanto sua técnica vai.

Abaixo, você pode estar interessado em ver a disposição inicial em da tinta a óleo, rapidamente acariciou ou enxugou em seguida, para a direita, a mesma camada de tinta simplesmente arrastado mais suave, usando um grande cerda avelã que era macio o suficiente para puxar a tinta sem puxá-lo para fora da tela. Desta forma posso easliy controlar a viscosidade e conseqüentemente a opacidade e configuração adicional meus próximos golpes mais finas diretamente para essa camada úmida receptivo. Aqui, também, posso empurrar as bordas ou o foco onde eu quero, preferindo um pouco fora de foco efeito que eu posso mais easliy afiar do que se eu o deixei com foco (a partir de traços planas e uma abordagem linear), que é muito mais difícil para forçar para fora de foco. Eu sei que se eu controlar o foco, mesmo minimamente, eu controlar o fluxo de onde o resto dos espectadores olhos e que ajuda juros vigor para as áreas mais importantes, como o rosto do anjo.

Áspero vs finessing suave

Maulstick T-quadrado de traços verticais e horizontais

A imagem acima mostra o meu pequeno maul vara T-Quadrado eu fiz para me permitir descansar meu braço e se aproximar do petróleo molhado para aqueles cursos de refino complicadas que precisam apenas um toque de bailarina para refinar a sua vantagem. Ele me permite a mesma liberdade que você pode encontrar por pintar com um meio à base de água, como a acrílica, onde você pode colocar a palma da mão para baixo perto da área que você está trabalhando, aproximando-se da pintura. Com Óleos, que a sua mão para baixo em tinta molhada, obviamente destrói a superfície, fazendo assim uma ponte estável apenas sobre a superfície da tela dá-me a proximidade ocasional eu preciso para os detalhes. Este é apenas um modelo T-quadrado rápida que fiz com 2 stips de madeira. A tira de cima tem um pequeno corte lábio para não cair para a frente e me permite deslizar para trás e para a frente e obter ângulos retos agradáveis. Um tento tradicional é bom, mas eu não gosto de segurá-lo na mão esquerda, onde eu costumo ter um trapo de pano, como um de toalhas de idade. Não use toalhas de papel, aliás, o resíduo de papel invariavelmente fica na superfície da pintura enquanto camisetas velhas, fraldas ou qualquer pano absorvente bom não desmoronar e pode conter muito mais tinta.

Pré-final

Eu acho que finalmente aprendi minha lição de material de pintura com padrões sobre ele em óleo. Talvez a melhor abordagem para uma peça tonal é pintar as massas maiores no primeiro e depois refiná-lo um pouco até que parece certo, mas não tem detalhes de padrão. Em seguida, deixá-lo sozinho para secar! Eu costumo tentar pintar direito em que área molhada, mas é muito mais fácil de pintar detalhes sobre a superfície seca. Eu sei que os artistas que mesmo redesenhar com lápis ou tinta sobre as áreas secas depois pintar para isso. Estou somehwere entre por freehanding o padrão com escova e pintura opaca, então o bloqueio na cor padrão e refinar isso. Se eu fosse depois strick Foto-realismo, que às vezes eu faço para trabalhos comerciais, gostaria de usar todos os métodos que eu posso pensar para obter o padrão apenas para a direita. Para a minha arte, eu acho que ele realmente parece melhor ser um pouco frouxa, mesmo fora, com o desenho que lhe dá mais de um toque pessoal e define o humor melhor. Eu sinto que este é o que o Pré-Raphaleittes muitas vezes esquecido, permitindo detalhe meticuloso para dominar uma pintura e perder de vista o efeito tonal geral. Eu acho que não há nada mais chato do que rígida, renderização ultra-definidas para alcançar o realismo apertado. É algo quase qualquer um pode ser ensinado a fazer, no entanto, o estado de espírito e significado real são muitas vezes sacrificadas. Eu prefiro muito mais ver um grande pedaço ilustrado por alguém como Dean Cornwell, que foi capaz de transmitir cenas emocionais como stills de filmes antigos com um estilo Bravada, do que qualquer peça realista apertado que parece sugerir a ênfase é sobre a técnica e não o que o peça é suposto ser. Minha pintura ideal é enganosamente realista, de forma convincente, mas não tão sobrecarregado, ainda tem, em uma inspeção mais próxima, uma rede interessante fluido de golpes para manter a superfície interessante e não como foto. Sua pintura, depois de tudo! Se eu posso combinar essa idéia ou técnica com bem concebido, imagens criativas e conceitual, então eu sinto que eu fiz algo que eu possa se orgulhar. Eu não sei se eu sempre sucesso, mas esta é a minha intenção.

Aqui é o final. Novamente, se você ler o demo, eu deixei a primeira camada secar por cerca de três semanas, trabalhando em outras coisas. Eu usei um meio que trouxe de volta o brilho ea cor verdadeira da camada dryed, neste caso Liquin, um gel viscoso que tem excelentes propriedades de arquivo. Estabelece-se muito rapidamente e permite-me várias horas para pintar para ele com golpes semi-opacos e opacos com o interntion para refinar cada área que, simplesmente, precisa de trabalho. Por afiar as bordas aqui e ali e tentando sempre para um olhar pictórico stroky, eu posso literalmente passar por cima de toda a pintura em um dia. Se isso começa a secar até o ponto onde a sua inviável, eu deixá-lo durante a noite, geralmente com um ventilador ou ar-purificador vai circular o ar. No dia seguinte, eu posso voltar e repetir a mesma abordagem até que eu tê-lo onde eu acho que o seu final. (Abordagem principal de Bouguereau, durante um underpainting marrom ou 'imprimatura ") Esta qualidade final é mais um sentimento instintivo que tenho ouvido de muitos outros artistas que sabem quando parar antes que eles mais de trabalhar suas pinturas. Minha ilustração de fundo me cerca de continuar trabalhando em uma peça desde que eu sei que eu posso trazê-lo para um nível mais realista, apertado. Isso é ótimo para a reprodução, mas o olhar é tão sobrecarregados comercial que estou finalmente aprendendo a soltar-se mais uma vez e deixar a pintura ao vivo.

Muito abaixo definitiva

Detalhe da área esquerda

Você pode aprender muito de olhar para o trabalho original da maioria dos artistas, onde a tinta é forte o suficiente para revelar a aplicação não só de como ele foi colocado em, mas por que ela funciona ou não funciona. Isso vale para os pintores atuais, bem como antigos "mestres". Vendo a obra original é a melhor maneira que eu encontrei para chegar ao próximo estágio de onde eu quero ou penso que eu quero ir tecnicamente. Sinto-me se eu posso criar um trabalho que eu possa ver produz uma imagem que transmite alguma emoção ou mood- então, pelo menos, eu estou no meu caminho para fazer o trabalho de alguma substância que possa ser convincente o suficiente para mover as outras pessoas. Os alunos muitas vezes julgar um artista ou ilustrador de trabalhar strickly pelas imagens que vêem na mídia impressa ou até mesmo online. A única maneira de estudar um bom trabalho é ver os originais. Muitas vezes existe uma grande diferença para esses trabalhos razões- na impressão é sempre reduzido, pois as imagens de perto e tendem a olhar muito mais apertado. Além disso, a cor é muitas vezes fora e não quase tão rica quanto a pintura original, especialmente se vidros translúcidos ou scumbling é usado onde os olhos podem ver através de camadas de tinta. Imagine ver uma bem trabalhada Rembrant ou Maxfield Parrish de repente virou apartamento em quatro cores de processo. Poucos livros têm sido capazes de fazer reproduções convincentes. Depois de comparar muitos originais é fácil ver o treament da tinta, a estratificação e até mesmo sentir um pouco da idéia que envolve a peça. Grande trabalho faz ressoar a presença de comittment do artista. Eu estive na frente de algumas grandes obras e você pode sentir a energia de que ele deve ter levou para criar a peça, na verdade, é um pouco como estar lá com seu criador. Isso soa um pouco maluco eu sei, mas de energia, como a luz ou o som das ondas, pode ser contido e se você estudar a ciência de tudo isso, você pode achar que sentado na frente de uma peça lindamente pintado (ou de perto a estudá-lo como eu não) vai começar a transmitir um pouco da sensação de maior pensamento e da imaginação que foi para criá-lo. 
A seguir, os detalhes são close-up seções que o zoom em um pouco para mostrar os traços que eu uso para sugerir formulário. Não que isso seja um grande exemplo, mas a idéia aqui é que ao ver o detalhamento, como olhar para a arte original, você pode começar a ver como a pintura foi colocar e minha intenção de formas arredondadas por derrames seguindo a forma eo contorno em seguida as áreas de sombra médio redução gradual a partir desses traços de contorno.

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