"Fora no oceano aberto"-PASTEL -

Lições & técnicas pastel Pintura

Por Amy Sanders, PPSCC

No verão passado, eu levei a família do meu irmão em uma observação de baleias na costa de Cape Cod, enquanto eles estavam visitando de Santa Fe. O tempo estava positivamente espetacular e vimos muitas das baleias muito ativos. Este é o primeiro de uma série de pinturas que eu espero que virá dos grande quantidade de fotografias que eu tomei (com a minha nova câmera digital) nessa viagem.

Esta é a imagem que eu trabalhei o máximo de. É uma imagem digital, com alguns problemas, não menos do que é a distorção devido ao zoom. E, sim, eu trabalho principalmente a partir de fotos. O debate irá assolar para sempre estou certo, mas para mim, uma série de fatores torna o estúdio uma necessidade. Carregando minha coleção de mais de 800 pastéis no campo não é simplesmente prático (na verdade eu demorou cerca de 200 uma vez, e deixou cair uma bandeja na cranberry porco ... não é divertido em tudo para pegar!). Além disso, meu trabalho tende a ser tão detalhado que uma única pintura pode me levar 40-50 horas, e eu ensino a tempo inteiro, tanto do meu tempo a pintura está em pedaços e pedaços. Se eu fosse para adicionar as limitações de tempo e luz do dia, eu nunca iria começar a pintar em tudo!

Um mês antes de iniciar este, eu tinha comprado uma caixa cheia de pastéis Windsor-Newton, e eu queria usá-los exclusivamente para esta pintura. Eu tinha tido alguns em minha coleção antes, então eu tinha alguma ideia de como lidar com eles. Para mim, eles parecem ser um pouco mais suave do que Rembrandt, que até o novo conjunto chegou, fez-se a maior parte dos meus pastéis (juntamente com alguns Senneliers, Rowney-Dalers, Grumbachers, Faber Castells, NuPastels e muitas marcas de lápis), mas mais difícil do que Sennelier. Então, o que foi decidido, a próxima coisa que eu tinha a fazer era atacar as decisões sobre o tamanho eo tipo de papel.

Tenho recentemente teve alguns problemas desastrosos com uma série de marcas de arquivo (que eu não vou citar especificamente, para que alguém venha e carro me para a cadeia), então eu decidi pintar isso em Ersta Starke (embora com relutância, porque este trabalho é não é considerado de arquivo). Eu sempre amei a superfície e quase todos os meus melhores trabalhos ter acontecido neste papel. Eu puxei uma folha de 400 (brutal na ponta dos seus dedos!) E decidiu, em um tamanho relativamente grande para mim, cerca de 16 x 21 polegadas. Deixei uma meia polegada em todos os lados para facilitar o manuseio, e prendeu-a uma placa de masonite. Clipes realizada 3 lados, e a fita realizada a terceira (porque um clipe não alcançaria). Tendo todos os lados seguro é obviamente importante, mas mudando de humidade aqui me impede de gravar todos os lados, para que não enrugar.

Passo 1: Eu coloquei uma linha do horizonte lá (reforçada com estas fotos desde que você não pode ver a linha bem nestas imagens sem acessório). Em seguida, usando lápis pastel principalmente, comecei a colocar em algumas das formas da nuvem no topo. Geralmente eu trabalho de superior esquerdo para canto inferior direito, como você pode ver a partir daqui. Uma vez que eu tinha colocado nas formas básicas em nuvem para a metade superior do céu, minha impaciência levou a melhor sobre mim, e eu comecei a colocar na cor do céu com o meu novo Windsor-Newtons!

Passo 2: Por este ponto, eu tinha decidido para acabar com as nuvens sobre a camada superior antes de avançar para baixo, devido à complexidade das camadas de nuvens abaixo. Eu senti que eu precisava de algo para trabalhar com antes de eu chegar para baixo na mesma secção. Aqui você pode ver um pouco mais do céu azul colocado em e o início do enchimento nas nuvens reais no topo.

Passo 3: Nesta imagem (e desculpa para a curvatura), mostrei como eu trabalho das nuvens. Por estas nuvens, eu escolhi uma combinação de roxo e verde para alcançar o meu cinza base. Eu tenho um monte de cinzas e eu usá-los muitas vezes (e até mesmo fez mais tarde aqui para ajustar os tons), mas para um cinza base de muitas vezes eu gosto de usar uma combinação de algumas cores complementares. Aqui eu queria ter um cinza levemente azulado assim, em vez de combinar amarelo com roxo, eu escolhi verde. Nesta imagem, você pode ver o que coloca em do revestimento de base de roxo em três matizes, de acordo com o nível de leveza na nuvem. Depois disso, eu fiz exatamente a mesma coisa com o verde (veja o exemplo abaixo pastel para os tons utilizados) bem em cima do roxo. Então eu misturados com os meus dedos (embora parte caminho através desta peça como meus dedos estavam desaparecendo rapidamente, eu fiz a bela descoberta de "berço de dedo") e terminou-o com ajustes usando meus vários tons de cinza e branco. Em muitos pontos ao longo do caminho, encontrei-me a voltar a cada nuvem de novo e de novo e reajustar, especialmente ao longo das bordas das nuvens e do céu.

Passo 3: Nesta imagem (e desculpa para a curvatura), mostrei como eu trabalho das nuvens. Por estas nuvens, eu escolhi uma combinação de roxo e verde para alcançar o meu cinza base. Eu tenho um monte de cinzas e eu usá-los muitas vezes (e até mesmo fez mais tarde aqui para ajustar os tons), mas para um cinza base de muitas vezes eu gosto de usar uma combinação de algumas cores complementares. Aqui eu queria ter um cinza levemente azulado assim, em vez de combinar amarelo com roxo, eu escolhi verde. Nesta imagem, você pode ver o que coloca em do revestimento de base de roxo em três matizes, de acordo com o nível de leveza na nuvem. Depois disso, eu fiz exatamente a mesma coisa com o verde (veja o exemplo abaixo pastel para os tons utilizados) bem em cima do roxo. Então eu misturados com os meus dedos (embora parte caminho através desta peça como meus dedos estavam desaparecendo rapidamente, eu fiz a bela descoberta de "berço de dedo") e terminou-o com ajustes usando meus vários tons de cinza e branco. Em muitos pontos ao longo do caminho, encontrei-me a voltar a cada nuvem de novo e de novo e reajustar, especialmente ao longo das bordas das nuvens e do céu.

Passo 4: Por esta fase, eu ter preenchido todas as camadas de nuvens superiores e começaram a trabalhar nas nuvens, muito mais complicados mais baixos. Eu também ter preenchido o céu ao longo do horizonte usando mais Cerulean e um pouco de branco, com o menor rubor de rosa para sugerir uma continuação das nuvens muito além da linha do horizonte.

Isso mostra a coleção dos pastéis que eu usei para as nuvens (ao longo da plataforma) e céu (na parte inferior). Eu tenho que dizer que enquanto eu tentava um pouco dos amarelos (11-12th a partir da esquerda), no final eu decidi que não gostava deles e respondeu-lhes mais roxos e brancos. Junto com os verdes e lilases, houve vários tons de cinza, a maioria Davy do e Payne do de Windsor ~ Newton, e verde-cinza de Rembrandt (a sombra das minhas favoritas para todos os tipos de coisas!).

Passo 5: Neste ponto, eu tinha acabado off todas as nuvens (embora ajustes ainda estavam acontecendo em contraste, principalmente, e no topo das nuvens são cortadas nesta imagem para dar mais foco na água), incluindo a adição de uma pequena nuvem fraca ao longo do baixo deixou linha do horizonte, e eu comecei a água. Eu coloquei em um azul escuro (de Rembrandt prussiano 508,5) primeiro, e depois começou a trabalhar as cores do céu na água em linhas retas.

Passo 6: Após a colocação em de linhas de cor horizontais, eu misturei-os na horizontal. Então eu comecei a colocar em outra camada com um pouco mais variedade na linha, e novamente uma mistura de luz. E uma descoberta recente da mina para água de renderização é a sobreposição de luz de um branco Alpha-Color (sim, essas baratas pequenas Alpha-cores) por cima. Alpha-Color tem muito pouco pigmento para que você quase não pode vê-lo, mas ele empresta textura para a água. Finalmente, eu adicionei algumas aves para o céu e da água (pouco visível aqui no céu ... sorry!). Depois me sentei para trás para olhar para ele um pouco. Algo não se sentia muito bem e eu não poderia colocar o dedo sobre ele.

Passo 7: A imagem final: Eu decidi que várias coisas foram me incomodando. Primeiro, eu eliminados os pássaros da água, depois que alguém na minha família me perguntou se eles eram de lagosta bóias pote (as famílias fazem um grande trabalho de "impermeáveis") e, em seguida, eu reduzi o contraste nas nuvens um pouco. Eu acho que nesta imagem que é mais perceptível nas nuvens mais baixas. Mesmo eu tenho que admitir, no entanto, você não pode vê-lo muito aqui, mas fez-me sentir melhor! Finalmente, decidi que só havia muita água, que talvez eu não tinha deixado claro se eu estava querendo se concentrar no céu ou na água, para não mencionar que a água realizada uma espécie de padrão acima e eu não fiz como aquilo. Desde que era a vastidão da cena eu estava depois, eu optou por cortar a água. Um amigo meu mo confirmou quando ela disse que também iria prefeår a água cortada um pouco. E Voila!

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Como pintar a pelagem de animais.

Colocado por Mag na secção Passo-a-passo, Pintar Animais, Pintura a óleo.

ESTE ARTIGO FOI CRIADO PARA TI . . . SE GOSTAS, ENTÃO PARTILHA!

Este artigo esta dedicado á técnica de “como pintar a pelagem dos animais” um tema que muitos artistas se debatem por aprender, praticar e dominar.
Eu Amo pintar animais, não só pela beleza deles, mas pela dificuldade e paciência que requer pinta-los e prometo que muito em breve irei realizar um workshop, um exercício, um livro, ou um tutorial passo a passo de como desenhar animais, em especial como desenhar pêlo de animal, mas por enquanto quero vos apresentar este excelente trabalho de um artista fabuloso J.Morgan.
REFLEXÃO
Todos os artistas estão conscientes dos momentos durante uma boa pintura quando tudo parece funcionar em piloto automático, e parece que a pintura se esta a pintar a si própria. . . Excelente pensamento para passar aos factos.

como pintar pelagem de animais / dicas

Antes de mais é importante definir alguns pontos importantes dos quais se calhar não nos tinha-mos apercebido.

• A pelagem é o que na realidade dá ao animal sua forma.
• Devemos estudar as fotos de referência e esboços de perto (convêm para isso ter imagens de boa resolução).
• A pelagem sempre se deve pintar na direcção de seu crescimento.
• Começamos pelo escuro e vamos avançando até o mais claro, a luz.
• Começamos descontraidamente, só depois passamos aos detalhes.

Tutorial

O objetivo deste tutorial sobre “como pintar pelagem de animais” é pintar de maneira que pareça que esta tudo muito detalhado, mas realmente não é assim.
Para pintar é conveniente utilizar tintas de secagem rápida ou então adicionar um secante, já que esta técnica requer pintar camada sobre camada.
Os animais mais interessantes para desenvolver esta aprendizagem de como pintar a pelagem dos animais são tigres, gorilas, etc.

Passo-a-passo

Passo #1

Esta é a fase de bloquear as áreas do desenho.
Esta fase consiste em pintar os tons de superfície que vemos e as cores de fundo como se fossem blocos, ou seja, sem nos preocuparmos pelo pormenor.
O propósito será conferir ao desenho uma estrutura solida. Os detalhes virão em fases posteriores. Devemos nesta fase conferir a impressão de detalhe o qual conseguimos pintando este fundo na direcção do crescimento dos pelos.

Passo #2

Nesta fase começamos a pintar os pelos.
É importante recordar que a pelagem esta composta de pelo, mas também de ar. Ou seja existe profundidade, espaço entre eles, por tanto um bom exercício é tentar imaginar e sentir este efeito na medida que vamos trabalhando.
Convêm realizar esta fase enquanto a tinta ainda esta húmida e realizando pinceladas descontraídas especialmente ao pintar pelos compridos, sem pensar demasiado em qual será o resultado final. E como sempre, é importante não esquecer pintar na direcção do crescimento dos pelos.

Passo #3

Esta fase deve ser realizada quando o quadro esta completamente seco.
Para iniciar esta fase, devemos bloquear de novo a pintura com uma veladura um pouco escura o qual ajuda a dar profundidade a pintura.
A seguir, quando a pintura esta húmida, começamos a pintar de novo os detalhes da pelagem. Este pormenor de aplicar camada sobre camada, começa a conferir o efeito de pelagem e profundidade.

Passo #4

Esta é a fase do refinamento.
Aplicamos de novo veladura onde convier, de acordo com as tonalidades da pelagem e pintamos os pelos nesta camada superior. No caso do tigre aplicamos a cor branca nos pelos e bigodes.

Materiais utilizados para este tutorial

Tintas da marca Winsor & Newton Griffin Alkyds Oils ou semelhante nas seguintes cores:
Burnt Sienna / Burnt Umber / Raw Sienna / Yellow Ochre / Naples Yellow / Ultramarine Blue / Lamp Black / Cadmium Yellow / Alizarin Crimson
Cores adicionais para esta pintura específica:
Cadmium Orange / Cadmium Yellow Deep / Cerulean Blue
Acrylicos (para a camada base)
Burnt Sienna / Burnt Umber

Óleo da vida ainda Pintura Demonstração Usando a técnica flamenga - Parte 1 e 2

Óleo da vida ainda Pintura Demonstração Usando a técnica flamenga - Parte 1

Sobre Delmus G. Phelps

Declaração de propósito no trabalho:

Eu fui um pintor ativo desde a década de 70, criando obras na tradição do realista mid. Sendo inspirado pela natureza ao meu redor e nas coisas que tendem a cobrar, eu ainda produzir vida e pinturas a óleo floral no estilo do realismo clássico / contemporâneo sobre tela e painéis.
Com um interesse particular em foco nítido realismo eu ainda produzir obras de detalhes incríveis da vida. Minhas peças florais exalam uma paz e serenidade tão necessária no estilo de vida agitado de hoje.
Usando o método flamenga de 7 camadas, uma técnica antiga 400 anos aperfeiçoado pelos mestres holandeses da época renascentista, minhas pinturas são feitos para resistir ao teste do tempo com qualidade duradoura.

Por que a vida ainda?

Lembro-me de meu primeiro "trompe-l'oeil" (enganar o olho) pintura em que a minha filha, ao entrar no estúdio, exclamou: "Por que papai, você arruinou a pintura com que pushpin lá!" Processo para chegar e puxar -lo e, em seguida, perceber que era uma rendição, então eu sabia que isso era para mim.
Art significa muitas coisas diferentes. Não tenho a pretensão realismo é a única forma ou até mesmo a melhor forma. Eu faço realismo porque eu gosto de sua influência para (agitar emocionalmente). Qualquer arte que você se move, que estende a mão e toca sua alma é, na minha opinião "boa arte". Se a arte que você ver não mexa-lo emocionalmente agora, você não vai querer que ele pendurado em sua sala de estar daqui a 10 anos!
Meu objetivo, como um artista, além de proporcionar o meu cliente com uma imagem esteticamente agradável, que em tamanho e cor se encaixa a maioria das decorações, mas também na prestação de mão especial feito itens. Eu gosto de usar peças que evocam memórias de um tempo mais simples, quando a vida não era tão rápido.
Eu também gosto de pintura de flora e paisagem. I capturar um momento no tempo quando a névoa está queimando fora a água de um lago, ou a gota de orvalho está caindo do pétala de rosa. É uma forma relaxante de trabalho que me impede de ficar obsoleto com os aspectos altamente detalhados e técnicos da vida ainda.
O grande floral realmente parecem iluminar o dia também!
Delmus G. Phelps © 2010

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Uma lição de arte real

Capturar a alegria de pintura e criando coisas de beleza com seu próprio pintura a óleo lindo. Uma pintura a óleo que você cria seguir este passo a passo técnica, e uma vez aprendida, pode ser repetido uma e outra vez de modo que você vai desfrutar de uma vida de liberdade artística na criação de muitas outras obras-primas.

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• Como você coloca sua objetos, iluminação e composição.
• Como preparar o passo a passo da lona.
• Como transferir o desenho para a tela.
• Você vai ver de perto, o umber sub-camada, e como ele é feito.
• Os umber acabados sob camadas e todos os passos para chegar lá!
• Você vai aprender a misturar suas tintas.
• Como fazer com que a "camada de mortos" ou camada de Gray, e por quê.
• Closeups de pinceladas e como a tinta é aplicada.
• Todos os detalhes são ensinados a fazer as suas pinturas se destacam.
• E muitos mais fotos da e explicações do que o que eu posso dar-lhe aqui.

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Pintura a óleo demonstração de caquis em um prato

Bem, aqui vamos nós! Esta demonstração pintura a óleo é de uma pintura que foi feito ao longo de um período de 6 dias, utilizando a técnica de pintura a óleo flamengo. I utilizado um secador de "Liquin" para acelerar o processo para os clientes.
Porque eu estou usando um suporte diferente do habitual, pensei Gostaria de acrescentar também o processo de preparação do conselho masonite dentro desta demonstração de pintura a óleo. O apoio é embalada em tiras de madeira e contribui para uma exibição agradável pronto apresentação sem um quadro.
Aqui está como nós começamos:
Estas primeiras foto são do conselho masonite e duas formas de aplicação do gesso. Usando a faca (metade inferior), você pode ver muitas linhas de acumularam gesso que teriam que ser lixado para remover. Isto foi causado pelo conselho não ser flexível como a tela, assim, outro método de aplicação devem ser encontrados.
Usando o rolo e aplicação do gesso feito para um melhor resultado.

Aqui você pode ver os resultados antes de lixar.

Resultados após lixar. 1ª demão mostrado. um segundo revestimento ajudou na eliminação de 90% dos pequenos recortes que você vê nesta foto. Um bom acabamento agradável foi alcançado.


Agora podemos começar nossa pintura. Aqui está a fotografia de referência eu vou estar usando. Como a referência é um formato de paisagem, eu tive que fazer um pouco de corte para caber isso para o tabuleiro quadrado eu vou estar usando. A primeira vez que precisava para selecionar um forte ponto focal, ver o topo mais frutas, tomei minha decisão e começou!

Aqui, eu comecei através dos estágios preliminares bastante longe com o desenho, desenho da tinta, imprimatura e umber underlayer pintura Definiu. Eu tenho também introduziu branco para ajudar a bater-se estes destaques rapidamente.
A metade superior do ponto de vista tem sido misturado final, onde, como a metade inferior, a cor está apenas em que deitei sobre o desenho sem mistura ainda.


Na foto abaixo, a mistura final foi completado. Você ainda pode ver a maioria das minhas linhas de desenho. Eles permanecem visíveis para continuar a me dar um guia enquanto pintava as próximas camadas.

Vamos agora iniciar a camada morta com nossa mistura de tintas cinzentas. As cores são Definiu em bastante vagamente.



Nesta foto, você pode ver alguns de mistura que está sendo feito. É com uma pequena escova que combina a tinta sobre a tela. Normalmente, no sentido do contorno, e na tentativa de manter todas as arestas duras nítida, enquanto, ao mesmo tempo, áreas de mistura e precisa ter uma transição suave. É difícil mostrar isso em uma demonstração de pintura a óleo fotográfica. Vídeo de realmente descrever o processo muito melhor. Espero que eu tenha capturado dados suficientes aqui para você entender.

Abaixo, o tamanho seco pincel grande e médio porte esfregão mistura é usada para suavizar as pinceladas visíveis. Isso também é dito para "hipnotizar" ou "set" a pintura. Um fim acima da vista de uma das frutas.

Como você pode ver, eu não estou tentando descrever ou descrever quaisquer detalhes finos ou textura neste momento. Eu estou capturando os tons principais, meios tons, sombras, etc. Isto é principalmente um exercício de modelagem na qual você está descrevendo para seus telespectadores a forma das coisas que você está pintando.

Um fim acima das escovas usadas nesta demonstração pintura a óleo, com um pouco da tinta que fica em cada um. Este é varrido usando TP ou fiapos panos livres. Eu normalmente não colocá-los em mais fino como o mais fino, quando a escova é reaplicada para a tela, vai levantar muita tinta e, na verdade, limpe o que você está apenas tentando se misturar.


Vamos agora continuar para o camadas de cores e acabamentos camada desta demonstração de pintura a óleo.

Pintura a óleo demonstração de caquis em um prato Parte 2

Nesta seção, vou mostrar como óleo pintar as camadas de cores e camadas finais de acabamento desses caquis. Felizmente, as técnicas de pintura a óleo discutido vão animar o seu entusiasmo, tanto quanto estes caquis animado meu paladar após as sessões de pintura findos!
Aqui vamos nós!
Da última vez, nós deixamos-lhe aqui, com a camada morta concluída. Uma coisa a notar aqui. Nenhuma textura, apenas os seus principais elementos, alguns detalhes e, principalmente, a sombra de e modelagem dos sujeitos.

Vamos começar a nossa camada de cor contrastante com algum azul para o fundo. Isto que eu sinto fará com que os caquis primeiro plano querer pop fora da página. Um agradável, mas sutil artista truque para referência futura! Este site está cheio de truques pouco como tinta a óleo e pontas, de modo a manter um olho para fora para eles!

Os de azul são colocados em muito vagamente com uma pequena escova para manter o controle de onde as transições de cores ocorrer.

Agora, misturando a luz amarela cad com um pouco de vermelho cad médio, nós temos o nosso laranja. Eu também adicionar um pouco de ferrugem para escurecê-la. Basicamente 2 cores!

Eu também ir em frente e colocar em um pouco de verde (luz azul amarelo cad & Prússia) com mais amarelo do que o azul para um verde muito claro, e começar em algumas folhas.



Utilizando uma pequena escova filbert, começo de mistura e depois seguir com o pincel grande mop.

Agora entre estas duas fotos do que parece haver uma grande diferença na pintura, mas realmente, isso levou apenas alguns minutos. O que tem acontecido é este:
1. Cores são colocados em todo o quadro inteiro, bloqueado no. Confira a fruta no canto direito.
2. Eu vim e adicionados apenas alguns destaques para a fruta. Este foi um mix / cinza simples azul que representa o filme gelado que cobre cada fruta em poucos lugares.
3. Eu também adicionamos reflexos da luz solar em apenas três frutos. Esta foi apenas uma questão de algumas pinceladas de tinta branca / amarela, que foi misturado em suas bordas.

Uma visão mais próxima do ponto focal. A varredura azul cinzento, os destaques foram realizadas 2, molhado-em-molhado para a laranja por baixo. Os frutos detalhes (como o spot) e modelagem realmente é proveniente da camada de cinza por baixo tornando este parecem ter tantas nuances, quando, na verdade, é apenas as duas laranjas, alguns cinza / azul, e os destaques!

Depois de uma noite de secagem, a placa azul, detalhes sobre as folhas e os frutos do primeiro plano foram mais desenvolvido.

Aqui vemos a pintura concluída com novamente mais detalhes desenvolvidas na estrutura da folha do fruto do primeiro plano. Um verniz vermelho / laranja adicionou-se a cada fruta no lado esquerdo para a cor mais profunda lá. Branco adicional foi adicionado a todos os destaques para bater os para cima de novo e uma assinatura.
Espero ter mostrado como óleo pintar um caqui, neste ponto, e também introduziu-lhe a esta técnica flamengo maravilhoso.

Nossa foto de referência mais uma vez para comparações. Como você pode ver, alguns cortes da imagem original teve lugar, ea principal diferença é a adição de um fundo azul em vez do preto.
A única outra coisa que eu gostaria de mencionar é o uso de "Liquin" como um acelerador de secagem, o que me permitiu completar este trabalho no prazo de 7 dias. Sendo uma pequena pintura ajudou no que diz respeito também! ;)Até a próxima……

<< Siga este link para a parte 1 desta lição pintura imóvel da vida

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Pintura em Aquarela My Way: Still Life

Pintura em Aquarela My Way: Still Life

Nota do autor: Desde o autor de Eu tive um monte de e-mails, de pessoas de todo o mundo me agradecendo para a demo "Ainda pintura da vida, minha maneira!". Alguns perguntaram para um desenho de linha. Eu criei um desenho de linha para pessoas que estão interessadas em seguir junto. É uma imagem grande, por isso um bom tamanho impressão é possível sem se tornar demasiado pixelated.To visualizar a linha do desenho real, siga este link, ou clicar na miniatura para a direita. Para salvá-lo em seu disco rígido, SHIFT-CLIQUE no link e salve-o para o seu PC. Apreciar!
	Configure o estudo de vida ainda no exterior, no sol. Antecedentes e base são pedaços de placa adesiva. Ajustar itens para melhor composição e, em seguida, fotografar usando um camera.You digital poderia usar uma câmera normal e tem a foto digitalizada em sua loja de fotografia local.
	Utilizando o software de imagem do computador, primeiro cortar a imagem e, em seguida, ajustar o contraste / brilho para dar uma imagem desbotada. Quando impressa em mono, este irá usar muito menos tinta.
	Configure a impressora para o tamanho necessário para o seu papel de aguarela que você normalmente usa. Minas está definido para 34cms de largura e 31cms alta. Como este é maior do que A4 o cartaz e redimensionamento suave terá de ser assinalada. Definido para mono, não precisamos de uma cópia de cor.
	Esta é a saída da impressora. Quatro folhas de papel com imagem dividida entre eles.
	Nós agora cortar e colar juntos.
	Colada e alinhados, repetir e aparar todos os quatro pronto para rastreamento.
	Eu uso o "papel Grafite Transferência", que deve estar disponível a partir de sua loja local da arte. Se não cobrir a parte de trás da folha impressa com lápis macio ou lápis de carvão. Em seguida, tirada por volta de contornos que você quer transferido para sua aquarela paper.Don't imprensa muito difícil ou você irá danificar o papel!
	Aqui está a imagem transferida em "Saunders Não 300gm" papel esticado e preso com fita papel gomado. Agora estamos prontos para começar painting.We ter o nosso esboço ea imagem original pode ser exibida no computador enquanto estamos pintura. Isto tem a vantagem de que agora você pode comer as maçãs ao pintar.
	Fluido de máscara é aplicada ao vidro, maçãs e frasco para salvar destaques. O pincel é mostrado um antigo. As cerdas foram aparadas e detergente líquido aplicado para proteger parando o fluido de máscara em torno da coleta de ponteira. Com esta escova, eu possa aplicar multas linhas de fluido.
	Misture até uma abundância de lavagem para o fundo, mistura de ultramar e toque de vermelho claro. Com a pintura de cabeça para baixo, eu apliquei uma lavagem plana em torno dos objetos e para o início da pintura. Veja o bom gota de tinta coleta na borda? Isso é típico quando se aplica uma lavagem fluido com a placa inclinada em 15 graus. Não jogue fora a lavagem de fundo restante, salvá-lo você vai precisar dele mais tarde. Não se preocupe se ele seca na paleta, a água pode ser adicionado quando necessário.
	Nós aplicamos a lavagem sobre o vidro, como o fundo pode ser visto olhando através dela.
	Antes da lavagem é seco. Um pedaço de papel mata-borrão é utilizado para levantar algumas das tintas, dando a aparência de vidro reflexivo.
	Usando um pouco da lavagem original, adicionar Cinza de Payne para escurecer e pintar a sombra entre o frasco e vidro. Sombra de vidro foi pintada usando a lavagem fundo escurecido e na parte inferior com Cinza de Payne. Sombra no interior de vidro pintado com lavagem do fundo e Cinza de Payne caiu em quando molhado na porção centro.
	Usando a ponta de um pedaço de mata-borrão elevador linhas papel de pintura em vidro sombra em uma curva, para representar ondas de luz.
	Seque bem usando um secador de cabelo e remover fluido de máscara a partir do vidro.
	O branco do papel agora mostra através de destaques, e ondulações mostrar na sombra onde a tinta foi levantada.
	Marcas de lápis apagada usando uma borracha de massa de vidraceiro.
	Algumas arestas são suavizadas pela escovação na água clara e enxugando com um lenço de papel.
	Auxílio Computador: se uma parte de sua pintura é mais fácil de pintar do lado, girar a imagem em seu computador para corresponder. Você não pode fazer isso com uma configuração de vida ainda normal!
	A borda fina para o topo do vidro é adicionado com um lápis afiado aquarela. O lápis é usado seco, mas podem ser amenizados se desejar por escovando levemente com água limpa. Detalhe é adicionado à sombra usando a lavagem inicial. Adicionar a banda ao redor da borda superior e curvas aleatórias através de cima para baixo.
	Sombra dentro do vidro escurecido um pouco no meio.
	Progresso até agora: fundo, de vidro e sombras completou. O frasco será abordado na próxima!
	Em primeiro lugar, temos que definir o frasco e dar-lhe alguma forma.
	O sombreamento é adicionado utilizando uma mistura de umber queimado, Cinza de Payne e um toque de vermelho claro. Enquanto ele ainda estava molhado, alguns extra foi adicionado em torno da borda da tampa para escurecer. Alça lateral mostrado simplesmente pintando na sombra.
	A lavagem luz do Sienna cru pintado sobre todo o frasco para dar-lhe uma china off-white fluido look.Masking é visível na tampa e borda frontal.
	Um forte rica mistura azul foi feito de azul winsor e ultramarino. O padrão é pintado em e afiação escureceu antes primeiros tinta seca.
	Ao pintar detalhe, amplie a imagem no seu computador. Ajuda!
	Depois de pintar o padrão do lado, a esquerda foi ligeiramente atenuado por levantar um pouco de tinta com um tecido.
	Belas detalhe adicionado após a primeira foi seco usando uma escova de rigger. Mascaramento fluido removido do frasco, brilho pode ser visto na tampa ea borda superior, onde o papel branco preservado mostra agora.
	O progresso até agora. O próximo passo é pintar as maçãs. Pela forma como eles estavam deliciosos.

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Ver Parte 2 desta Lição Aquarela >>

Esta é a Parte 2

<< Parte 1 | >> Parte 3

	Mascaramento fluido aplicado para salvar destaques.
	Lavagem de amarelo claro e um toque de verde seiva pintado sobre a maçã.
	Antes da lavagem seca, algumas áreas são levantadas com o tecido, dando um tom mais claro.
	Resultados após a aplicação de lavagem e de levantamento com o tecido.
	Molhe toda a maçã com água limpa. Usando uma mistura de Alizarin carmesim e queda de luz vermelha em alguma cor molhado em molhado.
	Wash podem ser controladas, colocados e movimentados com sua escova. Se você começar a pintura no lugar errado elevador imediatamente usando tecido ou papel absorvente.
	Sempre verifique se o papel está completamente seco antes de voltar a molhar a superfície. Em seguida, ele não vai perturbar as lavagens originais.
	Primeira esmaltes foram aplicados a ambas as maçãs.
	A cor era muito fraco, então eu adicionei um outro lavagem de amarelo!
	Mascaramento fluido pintado em hastes para preservar a tonalidade mais clara. Sombras adicionado mostrando núcleo forma e sombra da haste.
	Eu re-molhar a maçã com água limpa. Abaixe a cabeça e olhar através do papel, você deve ver apenas um brilho no papel. Nenhum sinal de água de superfície.
	Enquanto o papel estava molhada, eu adicionei uma lavagem do marrom avermelhado ao topo da maçã e em torno do núcleo de obter um pouco mais forma. Se o papel começa a secar, pare! Deixei -lo completamente seco do molhado re-lo e começar de novo. Se você continuar a adicionar lavagem para secagem de papel, você vai ter um efeito couve-flor.
	Um lápis aquarela pode ser usado enquanto o papel está molhado. Estrias vermelhas finas adicionado este caminho. Ou você pode usar com papel seco e, se necessário depois suavizou levemente escovar com uma escova macia molhada.
	Sombra em torno da haste escurecida. I primeiro aplicada lápis com papel molhado, em seguida, adicionou linhas afiadas finais quando seca. A haste maçã também é definida usando lápis.
	O fluido de máscara foi removida. Destaques maiores tinham bordas suavizadas molhando e esfregando com um tecido.
	Agora eu tenho duas maçãs desafiando as leis da gravidade. Lace pano será a próxima tarefa. Isso deve amarrar tudo para baixo!

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Esta é a Parte 2

 

Esta é a parte 3

Parte << 2

	Sombras adicionado para mostrar dobras em pano e buracos nas rendas pintadas na parte de trás. Cinza claro com um toque de used.Whoops verdes, eu só viu um erro. Eu pintei o fundo azul à direita para baixo para o pano sobre o tampo da mesa.
	Logo corrigido. Eu coloquei uma régua de plástico ao longo da borda onde a tabela deve ser para proteger a lavagem de fundo. Em seguida, usou uma esponja molhada para levantar a pintura, ainda deixou uma pequena mancha, mas que será coberto com o verde.
	Ambos os lados foram sponged off.
	Superfície tabela verde pintado. Feito mais escuro na parte de trás e iluminado na frente.
	Furos no laço pintado com a mistura de cinza / verde. Restantes linhas de esboço grafite apagadas com a borracha massa de vidraceiro.
	Linhas a seguir as dobras e curvas do pano pintado em.
	Pontos adicionados ao longo de linhas para efeito de tecelagem. Força e padrão variou.
	Sombras fortes colocados ao redor maçãs para ancorá-los para baixo, até agora eles apareceram para ser flutuante.
	Sombras em dobras traseiras reforçadas, amarelo pálido adicionado à frente dobre para trazer para fora da dobra meio.
	Alguns pontos foram escurecidos na trama, toque sombras traseira do azul acrescentou, sombra amarela próximo maçã e toque de vermelho adicionado à frente sombra. Há apenas uma dica de cada cor, embora seja difícil ver na foto.
	Hora de decisão, é que ele terminou ?. Eu costumo esperar alguns dias e ter um outro olhar antes de decidir.
	Colocar um matt tempory em torno de pintura faz muita diferença. Encontre um local agradável para você assinatura. Não sei de que cor matt ou quadro vou usar, alguma sugestão? :-) A imagem à esquerda mostra o que eu considerava ser a minha "pintura final". No entanto, depois de mostrar esta peça para vários dos meus colegas artistas, descobri que havia algumas coisas que eu poderia fazer para melhorar esta painting.Want para ver essas mudanças? Bom, então continue lendo!
	Adicionado um pouco de cor para o segundo plano para quebrar o azul sólida.
	Esquerda apple.Red sombreamento foi darkened.Reflected cor de maçãs adicionados ao pano. Sombra embaixo e atrás de maçã escurecido
	Direito cor apple.Reflected acrescentado em cloth.Shadow darkened.Shadow adicionado no lado direito da maçã.
Comentários votos foram implementados o que resultou em uma pintura melhor como mostrado no antes e depois de imagens above.If você pode encontrar um amigo que vai lhe dar a sua crítica honesta é uma grande ajuda, você não pode sempre concordar com todos os comentários, mas sempre ouvir.
	Não se esqueça de fotografar ou digitalizar a sua pintura antes de moldar. Mantenha sempre uma cópia de todos os quadros para que você possa olhar em volta deles se vendeu. À esquerda, a minha pintura final é moldada com uma dupla matt, e pronto para ir!

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